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Ópera moderna en español

Ópera moderna en español

La primera ópera escrita moxerna idioma ruso fue Tsefal i Membresía Premium de Apuestas del compositor Máquinas tragamonedas temáticas de Navidad Francesco Eslañol Membresía Premium de Apuestas cookielawinfo-checkbox-advertisement 1 eslañol Set by the GDPR Cookie Consent plugin, this cookie is used to record the user consent for the cookies in the "Advertisement" category. Significativamente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento.

Ópera moderna en español -

Fue creado por Václav Divis inventor checo admirador de la música de ópera. El instrumento consistía en una caja con un teclado 14 registros , un pedal y cuerdas con un sistema de varias tensiones.

Esto permitía al Dionisio de Oro imitar los sonidos del arpa, el clavicordio, el laúd e incluso varios instrumentos musicales de viento. Pero los oyentes quedaron asombrados por la calidad del sonido, conseguida gracias a la electrificación de las cuerdas metálicas.

Tras la muerte del científico, este singular instrumento eléctrico fue adquirido y transportado a Viena por otro admirador del arte operístico. En la segunda mitad del siglo XIX aparecieron varios instrumentos musicales que influyeron en el desarrollo de la música de ópera actual: - "Resonador Helmholtz" el progenitor de los ritmos electrónicos ; - "Piano electromecánico" cambiaba los tonos musicales ; - "Telégrafo musical" sintetizaba nuevos sonidos ; - "Telharmonium" el primer instrumento electrónico polifónico completo que podía transmitir sonido a través de la red telefónica a cualquier abonado.

Sin embargo, los cambios en la ópera no sólo afectaron a la integración de sonidos electrónicos y urbanos, sino también al sonido de la orquesta sinfónica. Se empezaron a utilizar ritmos, estructuras y extracción de sonidos no estándar en instrumentos académicos.

Ejemplos típicos: la ópera atonal "Wozzeck" de Alban Berg; la primera pieza de 12 tonos para orquesta del compositor Webern; la dodecafonía para piano de Schoenberg; el microcromatismo de la ópera "La madre" de Alois Huba.

Algunos compositores colocaron objetos extraños monedas, papel, vidrio entre las cuerdas de un violín, un violonchelo o un piano para crear un sonido surrealista y vivo en la ópera moderna.

A veces se añadían músicos a la composición de la orquesta sinfónica, extrayendo sonidos de diversos objetos: papel de lija, una caja de cartón y un claxon. Los cantantes de ópera empezaron a utilizar recitativos, murmullos, toses, gemidos y gritos. Todos estos experimentos, efectos y minimalismo influyeron en el posterior desarrollo de la música de ópera electrónica.

Alejándose de las reglas clásicas habituales, la ópera futurista del futuro se desarrolló en paralelo. La invención de la cinta magnética llevó la ópera moderna a un nuevo nivel.

Ahora los compositores podían crear cuadros musicales enteros en el estudio de grabación, cortando fragmentos de discos, aplicándoles diversos efectos y recopilando música de ópera única de este constructor.

Las nuevas óperas se complementaban con fragmentos de audio y los sonidos del ruido de las ciudades, las fábricas y las radios. Por ejemplo, Stravinsky utilizó una de las primeras máquinas para producir ruidos rítmicos en sus conciertos, y Erik Satie integró en la partitura el zumbido de las sirenas, el tintineo de los vasos, el estruendo de los aviones y el sonido de una máquina de escribir ballet Parade, En las décadas de y , la música de ópera surrealista y experimental fue muy solicitada por la industria cinematográfica, la televisión y la radio.

Muchas operetas, musicales y óperas pop encontraron un segundo aire gracias a las películas musicales: Los paraguas de Cherburgo, de Legrand, y West Side Story, de Bernstein. Los grupos de rock empezaron a utilizar fragmentos y melodías de música clásica en sus conciertos.

Por ejemplo, Bon Jovi actuó con Luciano Pavarotti, y Freddie Mercury cantó con Montserrat Caballé. La mayor popularización del crossover clásico se debe al trío de tenores: Plácido Domingo, Luciano Pavarotti y José Carreras, que forman un proyecto conjunto desde hace 15 años.

El trío debutó en la inauguración de la Copa Mundial de la FIFA en Roma , demostrando a todos los países que los cantantes de ópera están ampliando el alcance de la música académica. El final de los años 90 enriqueció la ópera pop con la abundancia de cantantes como: Andrea Bocelli, Sarah Brightman, Emma Shaplin, Alessandro Safina, Lara Fabian, Sissel Chirschebo, Il Divo y muchos otros.

Todos ellos actúan en el estilo del crossover clásico y la música neoclásica, combinando la ópera pop con la música de relajación. Así, Emma Shaplin combinó la música italiana de la época barroca con partes y arreglos electrónicos en su álbum de éxito comercial "Carmine Meo".

Aunque, previamente, planeó abandonar el canto operístico después de que un profesor de canto de ópera le reprochara el uso de ritmo de baile en una de las arias clásicas. Pero los ejemplos más llamativos de sonido operístico moderno resultaron ser en el cine: 1 el aria de Plavalaguna de la película "El quinto elemento" basada en el aria "Il dolce suono" de la ópera "Lucia di Lammermoor" con el añadido de voces sintéticas en las notas altas ; 2 la película "El fantasma de la ópera".

La ópera contemporánea junto con la música electrónica también ha absorbido activamente los multimedia modernos. Dado que el público del siglo XXI tiene una mentalidad de clip, los directores de teatro utilizan activamente la proyección de vídeo y los efectos visuales en las nuevas producciones operísticas para mantener su atención.

Por ejemplo, la ópera de cinco horas "Sigfrido" basada en la música de Wagner utiliza 14 proyectores y holografía láser en lugar de decorados. Fragmentos de actuaciones de la cantante de ópera vestida en 3D Estilo: crossover clásico, ópera moderna, ópera pop, ópera jazz-lounge.

Vídeo de crossover clásico y ópera moderna. Actuación de la diva de la ópera: ópera moderna, ópera pop, ópera lounge, ópera jazz.

Por eso, el legendario Josep Carreras tenía su propio equipo de ingenieros de sonido en todas las giras, formado por personas. Esto se hace por varias razones: en algunas salas de conciertos, ni siquiera los cantantes de ópera profesionales pueden actuar sin micrófono estadio, actuación al aire libre, sala con mala acústica ; si un cantante de ópera actúa acompañado de instrumentos electrónicos y portales de sonido.

Además, cualquier grabación sonora y retransmisión televisiva de un concierto de ópera es imposible sin un registro sonoro competente mediante micrófonos.

Gracias a los equipos de sonido, la ópera moderna es capaz de transmitir al público toda la gama de emociones del cantante y los susurros o la respiración se oirán en la última fila de la sala de conciertos. Las melodías y partituras de la ópera moderna contemporánea y la ópera pop se han convertido en un reflejo de los cambios que se han producido en nuestra sociedad y nuestro pensamiento.

El globalismo, las guerras, la revolución sexual, las migraciones, las redes sociales y la ciencia ficción han dejado su huella en la música. Esto ha llenado la ópera contemporánea de millones de nuevos sonidos atmosféricos. Si comparamos las partituras del siglo XVII con las modernas teñidas de tales combinaciones de notas que antes no podíamos imaginar , resulta que en la música de ópera moderna, el mundo entero puede describirse con signos musicales: ladridos de perros, ruido del metro, viento, timbre del teléfono móvil.

En este sentido, la nueva ópera se ha vuelto más compleja. Y si no se confía en la opinión de teóricos y directores musicales, la gente corriente podrá cantar y recordar de las obras de Mozart, Verdi, Chaikovski también sólo melodías "pop" muy conocidas: "Las Bodas de Fígaro", "El Barbero de Sevilla", "La Traviata", "El Cascanueces".

Sin embargo, uno de los componentes clave del éxito de la ópera contemporánea es la gestión musical. Por ejemplo, el Teatro Carnegie Mellon de Pittsburgh aumentó inmediatamente la venta de entradas caras con la ayuda de la entrega de entradas a domicilio con disfraces.

El Teatro de la Ópera de Cincinnati fue aún más lejos y duplicó la asistencia a su ópera romántica rociando perfume en la sala.

En Berlín, los cantantes de ópera crearon la "Ópera a domicilio": la posibilidad de pedir una representación de ópera a domicilio si se contratan 40 espectadores. Es mucho más cómodo y cuesta la mitad que en un teatro de ópera. Pero lo más bonito de un concierto a domicilio es que da una sensación de presencia total, porque los músicos y cantantes de ópera aparecen desde la habitación de al lado y actúan a pocos metros del público.

LAFESTA music project actúa en varios estilos de ópera moderna: ópera pop, ópera lounge y ópera moderna electrónica. La lista de canciones y el formato del espectáculo se discuten con el cliente o el concierto. Ópera contemporánea y mestizaje clásico ópera moderna y ópera pop LAFESTA Zúrich, Suiza es un proyecto musical ucraniano único que actúa al estilo de la moderna ópera electrónica de salón.

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Óprra en cuenta las Ópera moderna en español representadas y aclamadas mocerna el público y Máquinas tragamonedas temáticas de Navidad crítica, hemos preparado una selección — Dados virtuales, por supuesto — de las 10 óperas más famosas en eepañol mundo entero. Puedes consultar nuestra programación de ópera Máquinas tragamonedas temáticas de Navidad aquí. Si preguntamos a distintas Premios enormes en sorteos de juegos de azar sobre óperas famosas ej, seguramente en sus eh Membresía Premium de Apuestas algunas coincidencias, pero también encontraremos percepciones muy diversas sobre aquellas obras que, tradicionalmente, se han considerado las más emblemáticas. Eso es debido a que, evidentemente, la selección de las mejores óperas o las óperas más famosas es totalmente subjetiva. Dependiendo del lugar de procedencia de cada persona, de sus gustos o de su educación musical, se pueden construir consideraciones algo distintas. Sin embargo, seguramente haya consenso generalizado al determinar que las siguientes obras tienen un lugar destacado en la historia:. La Traviatade Giuseppe Verdies una ópera en tres actos con libreto en italiano de Francesco Maria Piave, inspirado en la novela de La dama de las cameliasde Alexandre Dumas.

Ópera moderna en español -

The performance of the opera diva in the style of modern opera, pop opera, lounge opera, and jazz opera. La actuación con el programa "Lounge Opera" puede ser en varios formatos: 1 La composición principal de la LAFESTA personas: cantante de ópera, DJ con electropercusión, flautista, acordeonista o saxofonista.

Esta formación puede actuar en lugares remotos conciertos en casa, salas, restaurantes, hoteles , o en festivales de música o eventos de gala. Este formato único de ópera moderna hará que tanto un pequeño evento como un concierto teatral sean inolvidables.

Se trata de un espectáculo de ópera en toda regla minutos. La representación es posible con cualquier otra orquesta profesional, ya que disponemos de las partituras necesarias. Si el objetivo de su concierto de ópera o evento es sorprender gratamente al público, entonces nuestra "Ópera moderna de salón" adornará el programa de una cena de gala, un concierto de teatro, una presentación y una boda.

Es ideal para fiestas de empresa y fiestas tan estilísticas como el Fantasma de la Ópera, el 5º Elemento, el Espacio y la Ciencia, la Alta Tecnología y el Futuro.

Las canciones de este programa se utilizaron como banda sonora de varios programas de televisión: "Genteel Life", "HD Fashion TV" y "Fashion Week". La solista del proyecto musical LAFESTA Olga Rossi es la autora de los textos y las partes vocales de nuestro programa "Lounge Opera".

Su voz de ópera de cristal soprano lírica se escucha en todas las canciones. Olga se graduó con honores en la Academia Nacional de Música de Ucrania y posee una formación vocal académica superior.

Cantó los papeles principales en óperas tan famosas como: "Iolanthe", "Las bodas de Fígaro", "La Boheme" y fue laureada en 6 concursos vocales. En , LAFESTA realizó el primer vídeo musical del mundo al estilo de una ópera de salón "Electro Opera".

El rodaje tuvo lugar en Valencia Ciudad de las Artes y las Ciencias. Posteriormente, se rodaron 2 clips más en el género original de ópera electrónica y deep-house: en Londres "City Jungle" y en Barcelona "Easy".

Todos los clips se emitieron en las principales cadenas de televisión musicales: MTV, M1 y Star TV. Toda persona que ame de verdad la música clásica o la ópera contemporánea ya ha oído actuar muchas veces a cuartetos de cuerda, pianistas y cantantes clásicos.

Pero la diva de la ópera que interpreta ópera moderna con un arpa láser o canta encantadoras partes vocales con un vestido 3D marcará una vívida impresión para toda la vida. Puede reservar el original espectáculo de la cantante de ópera para su teatro, hotel, restaurante o evento privado.

Concierto de LAFESTA con orquesta sinfónica Ópera contemporánea: crossover clásico, ópera moderna, ópera pop, ópera jazz. Concierto de ópera contemporánea y orquesta sinfónica. Cruce de clásicos y artistas de estilo: ópera moderna, ópera pop, ópera jazz lounge. Escuchar neoclásico. Junto con el desarrollo de la cultura musical, también ha crecido la necesidad de una dirección moderna de la música de ópera.

Cada vez se abren más teatros en todo el mundo especializados en organizar conciertos de ópera pop, ópera moderna e incluso ópera electrónica de club. Los mayores teatros de ópera del mundo intentan aumentar sus ingresos haciendo que los clásicos sean más demandados.

En las últimas décadas, muchos teatros se han convertido en clientes y directores de ópera moderna, y los admiradores del arte clásico planean viajes a festivales de ópera, estrenos y representaciones de ópera moderna con un año de antelación.

Esto sugiere que el mestizaje clásico se ha hecho con su nicho musical y es amado por el público sofisticado. El crossover clásico es un estilo musical que conecta diferentes estilos de ópera. Se formó oficialmente hace relativamente poco, pero ya se ha hecho tan popular que entró en la lista de nominados a los premios "Grammy" de la música y ocupó un puesto aparte en la lista de éxitos Billboard.

Este género de ópera moderna combina voces de ópera y elementos de música clásica con tendencias modernas de música electrónica, lounge y pop. A veces se utiliza el nombre de "ópera pop" u "ópera moderna" para referirse a este estilo.

Desde sus inicios en , la ópera no ha dejado de cambiar y modernizarse. Junto a la gran ópera seria, surgió la ópera cómica ópera buffa , que más tarde se convirtió en opereta y musicales. Y desde finales del siglo XIX y todo el siglo XX, la ópera moderna y el mestizaje clásico han pasado de experimentar con el sonido electrónico y cambiar la forma de cantar ópera al reconocimiento mundial.

El Va, pensiero del tercer acto sigue siendo a día de hoy un símbolo que refuerza el ideal independentista. Este coro de esclavos hebreos es, probablemente, uno de los más populares de la historia operística.

Tristán e Isolda es un drama musical en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en el romance de Godofredo de Estrasburgo.

Su composición fue inspirada por su aventura con Mathilde Wesendonck y por las ideas del filósofo Arthur Schopenhauer.

Es considerada una de las obras más representativas de Wagner y destaca por su cromatismo, tonalidad, color orquestal y suspensión armónica.

La Cenerentola es la última ópera cómica de Gioachino Rossini. La compuso en tan solo tres semanas, siguiendo el éxito que obtuvo el año anterior con El Barbero de Sevilla. Según el libreto de Jacopo Ferretti, el argumento se basa en el cuento de hadas de La Cenicienta , de Charles Perrault, y Agatina y La virtù premiata , de Felice Romani.

La ópera fue estrenada en el Teatro Valle de Roma el año , con Rossini como director de orquesta. Tal y como bien había previsto el compositor, pese a su falta de éxito inicial, rápidamente se convirtió en una pieza muy popular.

En cuanto a los grandes compositores de las óperas más famosas, como hemos dicho al principio del post, la elección de los mejores es muy subjetiva.

Para tratar de tener una perspectiva lo más objetiva posible, existen varias plataformas que recogen datos relevantes sobre las óperas y compositores más escuchados. Por ejemplo, Operabas e , el portal digital líder en documentación operística, cuenta con un apartado de estadísticas en el que se pueden comparar los títulos y los compositores de ópera más escuchados según la temporada o el país.

Skip to content. Las óperas más famosas Si preguntamos a distintas personas sobre óperas famosas , seguramente en sus respuestas veremos algunas coincidencias, pero también encontraremos percepciones muy diversas sobre aquellas obras que, tradicionalmente, se han considerado las más emblemáticas.

Sin embargo, seguramente haya consenso generalizado al determinar que las siguientes obras tienen un lugar destacado en la historia: La Traviata , de Verdi La Traviata , de Giuseppe Verdi , es una ópera en tres actos con libreto en italiano de Francesco Maria Piave, inspirado en la novela de La dama de las camelias , de Alexandre Dumas.

La flauta mágica , de Mozart La flauta mágica es la última ópera escenificada de Wolfgang Amadeus Mozart. La boheme, de Puccini La ópera L a Boheme , compuesta por Giacomo Puccini y con libreto en italiano de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, fue estrenada en Turín en Carmen , de Bizet Carmen , de Georges Bizet y con libreto en francés de Ludovic Halévy y Henri Meilhac, es una ópera dramática de cuatro actos basada en la novela de Carmen , de Prosper Mérimée.

Madama Butterfly , de Puccini Con música de Giacomo Puccini y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, Madama Butterfly se basa en el cuento de John Luther Long, así como la novela Madame Chrysanthème , de Pierre Loti.

Aida, de Verdi Aida , compuesta por Giuseppe Verdi y con libreto de Antonio Ghislanzoni, es una obra de cuatro actos basada en la versión de Camille du Locle de la historia propuesta por el egiptólogo francés Auguste Mariette. El Barbero de Sevilla, de Rossini El Barbero de Sevilla es una de las grandes obras maestras de la comedia y un gran exponente de la ópera bufa.

Nabucco, de Verdi Nabucco está considerado como el primer gran éxito de Giuseppe Verdi, a partir del cual el compositor inició un periodo de composición frenético.

Tristan und Isolde, de Wagner Tristán e Isolda es un drama musical en tres actos con música y libreto en alemán de Richard Wagner, basado en el romance de Godofredo de Estrasburgo.

La Cenerentola, de Rossini La Cenerentola es la última ópera cómica de Gioachino Rossini. Grandes compositores de ópera En cuanto a los grandes compositores de las óperas más famosas, como hemos dicho al principio del post, la elección de los mejores es muy subjetiva.

Entre sus brillantes obras destacan La Traviata , Falstaff, Aida o Rigoletto. Puccini : Las óperas de Puccini tampoco se quedan atrás en el ranking de las más escuchadas. Entre ellas, son comúnmente conocidas La Boheme, Tosca, Madama Butterfly o Turandot.

Mozart : A diferencia de otros, este gran compositor escribió en todos los géneros musicales. Las óperas de Mozart más representativas son La flauta mágica, Las bodas de Figaro, Don Giovanni, Così fan tutte … Rossini : Es recordado especialmente por El Barbero de Sevilla , pero tuvo un destacado papel tanto en la ópera bufa como en la ópera seria.

Entre sus obras también destaca La Cenerentola o Il turco in Italia. Next Post ». Por favor, tiene que introducir una dirección de correo válida. ENTIENDO Y ACEPTO la política de privacidad. Utilizamos cookies en nuestra página web para ofrecerte la experiencia más relevante recordando tus preferencias y visitas repetidas.

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Ensayo sobre la ópera , de Francesco Algarotti , demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Sostuvo que la «ópera seria» tenía que volver a sus bases, el ideal metastasiano, y que todos los diversos elementos —música instrumental y vocal , ballet, y puesta en escena— deben subordinarse al drama.

Sus ideas no resultaron aceptadas por todos los compositores, dando inicio a la querella de gluckistas y piccinnistas.

De igual modo, varios compositores del período, incluyendo a Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta , intentaron poner en práctica sus ideales.

El primero en tener consentimiento y dejar una impronta permanente en la historia de la ópera, sin embargo, fue Gluck. Gluck trató de gestar una «bella simplicidad». Esto ha sido ilustrado en la primera de sus óperas «reformadas», Orfeo ed Euridice , donde las líneas vocales carentes de virtuosismo son apoyadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo usual.

Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideas. Mozart, en muchos sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del drama , armonía , melodía y contrapunto para componer una serie de óperas cómicas, especialmente Le nozze di Figaro , Don Giovanni y Così fan tutte en colaboración con Lorenzo da Ponte , que permanecieron entre las más populares, amadas y conocidas del repertorio.

Pero la contribución de Mozart a la «ópera seria» fue menos clara, a pesar de sus excelentes obras Idomeneo y La clemenza di Tito. Su estado de salud y su precoz muerte no le permitieron hacer renacer el género. El movimiento operístico de bel canto floreció a principios del siglo XIX , siendo ejemplificado por las óperas de Rossini , Bellini , Donizetti , Pacini , Mercadante y muchos otros.

Bel canto , en italiano, significa «canto bello», y la ópera deriva de la escuela estilística italiana de canto del mismo nombre.

Las líneas belcantistas son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo suprema agilidad y control del tono. Continuando con la era del bel canto , un estilo más directo y vigoroso fue rápidamente popularizado por Giuseppe Verdi , comenzando con su ópera bíblica Nabucco. Las óperas de Verdi resonaban con el crecimiento del espíritu del nacionalismo italiano en la era posnapoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico aun cuando sus propias políticas no fueron quizás tan radicales.

A principios de la década de , Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto , Il trovatore y La traviata. Pero continuó desarrollando su estilo, componiendo tal vez la mayor Grand Opéra francesa, Don Carlo , y culminando su carrera con dos trabajos inspirados en obras de Shakespeare , Otello y Falstaff , las cuales revelan el gran crecimiento en sofisticación de la ópera italiana desde principios del siglo XIX.

Luego de Verdi, el melodrama sentimental «realista» del verismo apareció en Italia. Este fue un estilo introducido por Pietro Mascagni con su Cavalleria Rusticana y Ruggero Leoncavallo con Pagliacci , estilo que llegó virtualmente a dominar los escenarios de ópera mundiales con obras tan populares como La bohème , Tosca , y Madama Butterfly de Giacomo Puccini.

Compositores italianos posteriores, tales como Luciano Berio y Luigi Nono , experimentaron con el modernismo. En España, un ejemplo reciente de este verismo es la Ópera La Casa de Bernarda Alba interpretada en en el Teatro de la Zarzuela con música de Miquel Ortega.

La primera ópera alemana fue Dafne , compuesta por Heinrich Schütz en , cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII.

De todas maneras, se desarrollaron formas nativas. En , Sigmund Staden produjo el primer Singspiel , Seelewig , una forma popular de ópera en idioma alemán, en el cual se alternan canto con diálogo hablado.

A fines del siglo XVII y principios del siglo XVIII , el Theater am Gänsemarkt en Hamburgo presentó óperas alemanas de Keiser , Telemann y Handel. Aún muchos compositores alemanes importantes de la época, entre ellos el mismo Handel, Graun , Hasse y más tarde Gluck , elegían escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, en especial, italiano.

Los «Singspiele» de Mozart , Die Entführung aus dem Serail y Die Zauberflöte fueron un importante salto para la consecución del reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio , inspirada en el clima de la Revolución francesa.

Carl Maria von Weber estableció la ópera dentro del Romanticismo alemán oponiéndose a la dominación del «Bel canto» italiano. Su Der Freischütz muestra su genialidad para la creación de atmósferas sobrenaturales.

Otros compositores de la época fueron Marschner , Schubert , Schumann y Lortzing , pero la figura más significativa indudablemente fue Richard Wagner. Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controvertidos de la historia de la música.

En sus dramas musicales maduros, Tristan und Isolde , Die Meistersinger von Nürnberg , Der Ring des Nibelungen y Parsifal , abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin".

Incrementó en gran medida el protagonismo y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotiv , temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama; y estuvo preparado para saltarse convenciones musicales aceptadas, tales como la tonalidad , en este caso, para mayor expresividad.

Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica para la ópera en sus obras, las cuales usualmente se basan en historias de la mitología germana o leyendas arturianas.

Wagner construyó su propio teatro en Bayreuth , dedicado exclusivamente a la representación de sus obras en el estilo que él deseaba. La ópera no volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado constituyó una pesada carga.

Por otra parte, Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero la tomó en una dirección muy diferente. Su primer éxito lo consiguió con la escandalosa Salomé y la tragedia negra Elektra , en la cual la tonalidad fue llevada hasta sus límites.

Luego, Strauss cambió de rumbo en lo que sería su mayor éxito, Der Rosenkavalier , donde Mozart y los valses vieneses se convirtieron en gran influencia, como Wagner. Strauss continuó produciendo un altamente variado cuerpo de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal , hasta Capriccio en Otros compositores que hicieron sus aportes individuales a la ópera alemana en el siglo XX fueron Alexander von Zemlinsky , Paul Hindemith , Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni.

Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores serán discutidas en el apartado de Modernismo. Rivalizando con las producciones importadas de la ópera italiana, una tradición francesa aparte fue fundada por el italiano Jean-Baptiste Lully en la corte del Rey Luis XIV.

Desafiando su origen extranjero, Lully estableció una Académie Royale de Musique Academia Nacional de Música y monopolizó la ópera francesa desde Comenzando con Cadmus et Hermione , Lully y su libretista Quinault crearon la tragédie en musique , una forma en la cual las música para danza y para coro fueron particularmente prominentes.

Las óperas de Lully también muestran preocupación por el recitativo expresivo, el cual ajustó a los contornos de la lengua francesa.

En el siglo XVIII , el sucesor más importante de Lully fue Jean-Philippe Rameau , quien compuso cinco tragédies en musique , como también numerosos trabajos en otros géneros tales como la opéra-ballet , todos notables por su rica orquestación y sus audaces armonías.

Luego de la muerte de Rameau, el alemán Gluck fue convencido de producir seis óperas para los escenarios parisinos en la década de Estas mostraron la influencia de Rameau, pero simplificadas y muy enfocadas en el drama.

Al mismo tiempo, a mediados de siglo, otro género fue adquiriendo popularidad en Francia: la opéra-comique. Esta fue el equivalente del singspiel alemán, donde las arias eran alternadas con diálogo hablado. Destacados ejemplos en este estilo fueron producidos por Monsigny , Philidor y, sobre todo, por Grétry.

Durante el período de la Revolución francesa y de las guerras napoleónicas , compositores tales como Méhul , Cherubini y Spontini , que fueron seguidores de Gluck, trajeron una nueva seriedad al género, el cual nunca había sido cómico, en tal caso. En la década de , la influencia gluckista en Francia llevó al gusto por el bel canto italiano, especialmente tras la llegada a París de Rossini.

Su ópera Guillaume Tell colaboró en fundar un nuevo género, la Grand Opera , una forma en la cual el más famoso exponente fue también un extranjero, Giacomo Meyerbeer.

Las obras de Meyerbeer, tales como Les Huguenots enfatizaron el canto virtuoso y extraordinarios efectos escénicos. La ligera opéra-comique también gozó de éxitos tremendos de las manos de Boïeldieu , Auber , Hérold y Adam. En este clima, las óperas del compositor nativo Hector Berlioz lucharon para ganar audiencia.

La obra maestra épica de Berlioz Les Troyens , culminación de la tradición Gluckista, no tuvo representación en casi cien años. En la segunda mitad del siglo XIX , Jacques Offenbach creó la opereta con obras ingeniosas y cínicas como Orphée aux enfers , así como también la ópera Les Contes d'Hoffmann ; Charles Gounod registró éxitos masivos con Faust ; y Georges Bizet compuso Carmen , la cual, ni bien la audiencia aprendió a aceptar su combinación de Romanticismo y Realismo , se convirtió en la más popular de todas las opéra-comiques.

Realizó otra menos aclamada pero de gran calidad en , Les pecheurs de perles. Massenet compuso Werther y Delibes con Lakme con el famoso dúo de las esclavas, así como Saint-Saëns compusieron obras que forman parte del repertorio estándar.

Al mismo tiempo, la influencia de Richard Wagner fue sentida como un desafío a la tradición francesa. Muchos críticos franceses rechazaron airadamente los dramas musicales de Wagner, mientras que muchos compositores franceses los imitaron de cerca con éxito variable.

Probablemente la respuesta más interesante llegó de Claude Debussy. Como en una obra de Wagner, la orquesta ocupa un rol principal en la única ópera de Debussy, Pelléas et Mélisande y no hay verdaderas arias, sólo recitativos. Pero el drama es incomprensible, enigmático y completamente no wagneriano.

Otros destacados nombres del siglo XX son Ravel , Dukas , Roussel y Milhaud. Francis Poulenc , uno de los poquísimos compositores posguerra de cualquier nacionalidad, cuyas óperas incluyendo Dialogues des carmélites han ganado un equilibrio en el repertorio internacional.

Saint François d'Assise , el extenso drama sagrado de Olivier Messiaen , ha atraído también amplia atención. La ópera fue traída a Rusia en la década de por las compañías operísticas italianas y pronto se convirtieron en parte importante en el entretenimiento de la Corte Imperial Rusa y la aristocracia.

Algunos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi , Giovanni Paisiello , Giuseppe Sarti , y Domenico Cimarosa , entre otros, fueron invitados a Rusia a componer nuevas óperas, la mayoría, en idioma italiano.

Simultáneamente algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitri Bortniansky fueron enviados al extranjero a aprender a escribir óperas. La primera ópera escrita en idioma ruso fue Tsefal i Prokris del compositor italiano Francesco Araja El desarrollo de la ópera en lengua rusa fue apoyado por los compositores nativos Vasili Pashkévich , Yevstignéi Fomín y Alekséi Verstovski.

De todas maneras, el nacimiento real de la ópera rusa llegó con Mijaíl Glinka y sus dos grandes óperas Una vida por el Zar y Ruslán y Liudmila Posteriormente, en el siglo XIX en Rusia se escribieron obras maestras del género operístico, como Rusalka y El convidado de piedra de Aleksandr Dargomizhski , Boris Godunov y Jovánschina de Modest Músorgski , El príncipe Ígor de Aleksandr Borodín , Eugenio Onegin y La dama de picas de Piotr Ilich Chaikovski , y La doncella de nieve y Sadkó de Nikolái Rimski-Kórsakov.

Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso a lo largo del espectro artístico, como parte del más general movimiento eslavofílico. En el siglo XX las tradiciones de ópera rusa fueron desarrolladas por varios compositores, entre ellos, Serguéi Rajmáninov con sus obras El caballero avaro y Francesca da Rimini , Ígor Stravinski con El ruiseñor , Mavra , Oedipus rex , y The Rake's Progress , Serguéi Prokófiev con El jugador , El amor de las tres naranjas , El ángel de fuego , Compromiso en un monasterio y Guerra y paz ; como también Dmitri Shostakóvich con La nariz y Lady Macbeth de Mtsensk , Edison Denisov con L'écume des jours , y Alfred Schnittke con La vida con un idiota , e Historia von D.

Johann Fausten. Desde la primera mitad del siglo XVII se estrenan en España cientos de obras en las que existen rasgos estilísticos propios y a veces muy singulares.

En España no ocurre como en el resto de los países europeos, que imitan Italia a la hora de producir obras teatrales y líricas, sino que estos géneros escénicos y cantados surgen casi simultáneamente en ambos países, España e Italia, por tener el imperio español territorios en Italia, lo que había llevado a ambos países a tener numerosos intercambios culturales.

La ópera bufa italiana, la opéra-comique francesa, el Singspiel alemán, la comedia musical , la opereta francesa etc. son géneros que dan lugar, todos ellos, a formas teatrales alternativamente cantadas y habladas, pero surgen en el siglo XVIII en el XIX en el caso de la opereta cuando desde los años Italia y España ya tenían óperas propiamente dichas y cuando desde los años España ya producía zarzuelas.

Es crucial la aparición de esta última, la zarzuela, género lírico que alterna partes cantadas con partes habladas en castellano, antes incluso que el Singspiel alemán y que el opéra-comique francés, géneros líricos que también comparten esa característica.

Debido a su éxito, este legado lírico español, compuesto de óperas y zarzuelas, permite calificar a España como uno de los países más interesados en cualquier tipo de teatro cantado, y esto desde el nacimiento mismo del arte lírico.

Así, en pleno Siglo de Oro , en , fue estrenada en el Palacio de Aranjuez una obra considerada como precursora de todas las óperas españolas: La gloria de Niquea con música de Mateo Romero , Juan de Palomares , Juan Blas de Castro y Álvaro de los Ríos.

Francia y Alemania tendrán todavía que esperar para asistir al estreno de sus respectivas primeras obras de arte lírico. La obra fue representada en el Alcázar de Madrid. Poco después fue el Palacio del Buen Retiro el que se convirtió en el receptáculo habitual de las obras líricas de la corte española.

Este palacio madrileño, hoy en día desaparecido fue destruido en su mayor parte, en , durante la guerra de Independencia , incluía entre sus dependencias un teatro cubierto, realizado siguiendo la moda de los nuevos teatros que empezaban entonces a ser construidos en Italia.

Muchas partituras desaparecieron en el incendio que destruyó el Buen Retiro en el siglo XIX , partituras de obras en gran parte estrenadas en el teatro del palacio, aunque algunas se han conservado por otras fuentes.

Entre los compositores de obras líricas del siglo XVII , conservadas hasta la fecha, pueden ser citados, entre otros, Cristóbal Galán , Juan de Navas , Juan de Serqueira y, sobre todo, Juan Hidalgo de Polanco Durante los siglos XVII y XVIII , otros fenómenos líricos enriquecieron los escenarios con una cantidad de producción difícilmente cuantificable: destacan tres mil tonadillas canciones que interpretan uno o dos intérpretes con estructura tripartita imitando lenguaje del pueblo y doce mil zarzuelas.

Además de loas, bailes, autos jácaras y mojigangas. Estos datos nos representan a un pueblo que vive la lírica. Sin dejar atrás que las estadísticas de consumo, de teatros musicales en activo, cantantes y edición de partituras de teatro musical son igualmente impresionantes.

Destacan especialmente las figuras de Lope de Vega y Calderón de la Barca En el siglo XVIII se mezclan influencias entre la zarzuela española y la ópera italiana.

Por su imperio y por su permeabilidad cultural con Italia, España se enriqueció con compositores italianos que compusieron óperas con libreto en español, como Francesco Corradini o Luigi Boccherini , aunque en la España peninsular, la metrópolis del imperio, también se escribieron o representaron libretos en italiano.

En se acabó por prohibir la representación de las obras que no hubiesen sido traducidas al castellano, lo que hizo que muchos de los dramaturgos que escribían sainetes, tradujeran obras del italiano al castellano, nacionalizándolas. La creación operística española que tuvo lugar a lo largo de la primera mitad del siglo XVIII vio la aparición de músicos tan relevantes como Sebastián Durón —autor de la primera obra repertoriada en llevar el calificativo español de «ópera», La guerra de los gigantes , estrenada en —, Antonio Literes , José de Nebra , Antonio Rodríguez de Hita o Domingo Terradellas , desembocando en las últimas décadas del siglo XVIII en dos creadores de la talla de Vicente Martín y Soler y Manuel del Pópulo Vicente García.

El siglo XIX trajo consigo una necesidad de liberación de la dependencia italiana, la necesidad de una creación lírica propia. Se construyeron teatros y se produjo una gran actividad crítica con numerosas polémicas y escritos.

Por todo ello la ópera y la zarzuela los dos pilares del arte lírico español fueron el principal género de la música española del siglo XIX. La primera mitad del siglo que culmina en con la inauguración del Teatro Real supuso un período de gran vitalidad en torno a la ópera nacional española.

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Author: Kazigor

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